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Zwölftontheorie
Alle Töne der Tonleiter sind gleichberechtigt.
Serielle Musik
Auf der Grundlage der von Arnold Schönberg entwickelten Zwölftonreihe
entstand die Serielle Musik, bei der klare Strukturen und Regeln höchste
Priorität erhielten. Neben der Tonhöhe wurden auch Tondauer, Rhythmus
und Klangfarbe eindeutig festgelegt. Jede Note besitzt im
Gesamtzusammenhang gleiche Bedeutung und Wertigkeit. Stark von den
französischen Komponisten René Leibowitz und Pierre Boulez
beeinflusst, wurde Karlheinz Stockhausen (1928–2007) in Deutschland
zum Pionier der Seriellen Musik (erste serielle Komposition „Kreuzspiele
Nr. 1/7“, 1951).
SCHLAGZEILE
Ausstellung diskriminiert Intellektuelle
1938 organisierten die Nationalsozialisten in Düsseldorf die Ausstellung
„Entartete Musik“. Inhaltlicher roter Faden: gegen Jazz, Atonalität und
„intellektuelle Dekadenz“ müsse sich das „gesunde deutsche Empfinden“ zur
Wehr setzen. In einer diffusen Mischung aus Rassentheorie und verworrenen
Musikanschauungen wurden jüdische wie nichtjüdische Musiker an den Pranger
gestellt, darunter die Komponisten Arnold Schönberg, Kurt Weill und Hanns
Eisler, Song-Schreiber wie Friedrich Hollaender („Ich bin von Kopf bis Fuß auf
Liebe eingestellt“) und der Tenor Richard Tauber.
Elektronische Musik
Gleichzeitig emanzipierte sich das Geräusch gegenüber dem reinen
Klang: Die elektronische Musik, in der jeder Zufall und jede ungewollte
Abweichung generell ausgeschlossen werden können, eröffnete der
jungen Komponistengeneration völlig neue Perspektiven.
Dafür entstanden spezielle Studios: In Köln begann 1951 das Studio für
elektronische Musik mit seiner Arbeit. Hier feierte Stockhausens „Gesang
der Jünglinge im Feuerofen“ seine Uraufführung. Später
experimentierten hier Komponisten wie Mauricio Kagel, Yannis Xenakis
und György Ligeti, aber auch Pop- und Rockbands wie Tangerine Dream
und Kraftwerk. Ähnliche Ziele verfolgte ab 1968 in Freiburg im Breisgau
das Experimentalstudio des SWR. Die Entwicklung neuer Instrumente
(Halaphon, Matrixmixer), die elektronische Klangerweiterung und die
Digitalisierung der Musikproduktion wurden hier zu wichtigen
Schwerpunkten. Neben Stockhausen prägten Komponisten wie Dieter
Schnebel, Hans Zender und Luigi Nono das Profil.
Einflüsse der seriellen Musik
Einen konsequent eigenständigen Weg ging Bernd Alois Zimmermann
(1918 bis 1970). Stark beeinflusst von der seriellen Musik vermied er
jedoch den Bruch mit der Tradition. Er bezog Einflüsse des Jazz ebenso
ein wie Musik aus Mittelalter und Barock, die mittels Collagetechnik
seine eigene Musik überlagern.
Unbeeindruckt von der jungen Avantgarde der 1950er-Jahre ging in
München Karl Amadeus Hartmann (1905–63) seinen eigenen Weg, der ihn
zum bedeutendsten Sinfoniker der zweiten Hälfte des 20. Jh. machte.
Selbst als Leiter der Reihe „Musica viva“ ab 1945 Wegbereiter für die
verbannten Komponisten der klassischen Moderne (Schönberg,
Strawinsky Bartók) in Deutschland, gelang ihm als Komponist eine
persönlich geprägte Musiksprache von großer suggestiver Ausstrahlung.
Noch rigoroser wandte sich Hans Werner Henze (1926–2012) von den
Doktrinen der seriellen Musik ab. In Italien gelang ihm die Symbiose aus
südländischer Melodik und avantgardistischer Harmonik. Nicht zufällig
widmete er sich bevorzugt dem Gesang und der Oper („Der Prinz von
Homburg“, 1958; „Elegie für junge Liebende“, 1961; „Die Bassariden“,
1965). I m Zentrum seines vielfältigen Schaffens stehen außerdem zehn
Sinfonien (1947–2002), Oratorien und Liederzyklen, die ihn zum weltweit
meistgespielten und -geehrten deutschen Komponisten nach 1950
machten.
Strömungen in der DDR
In der DDR prägte Hanns Eisler (1898 bis 1962), zurückgekehrt aus dem
amerikanischen Exil, das Musikleben. Er vertonte die Nationalhymne auf
einen Text Johannes R. Bechers (1949) und versuchte, an die
gesellschaftskritische Musikkultur der Weimarer Zeit anzuknüpfen.
Neben der Zusammenarbeit mit Bert Brecht bedeutet die Deutsche
Sinfonie (1959), die in elf Abschnitten deutsche Geschichte reflektiert, den
Höhepunkt seines Schaffens im letzten Lebensjahrzehnt.
An der Schwelle zum 21. Jahrhundert
In den 1980er-Jahren kam es in Westdeutschland zu einer
breitgefächerten Wiederentdeckung wichtiger Komponisten, die nach
dem Verbot durch die Nationalsozialisten (entartete Musik) in den 1950er-
Jahren eine zweite Ächtung durch die damalige Avantgarde erleben
mussten. Opernhäuser und Plattenfirmen engagierten sich für einstige
Erfolgskomponisten wie die Österreicher Franz Schreker und Alexander
Zemlinsky, aber auch für jüngere Vertreter wie Walter Braunfels (1882–
1954( und Berthold Goldschmidt (1903–96).
Mehr denn je von sehr unterschiedlichen Strömungen geprägt ist das
Musikleben im 21. Jh. Aus der älteren Generation stehen sich Helmut
Lachenmann (geb. 1935) und Wolfgang Rihm (geb. 1952) gegenüber. Der
Stockhausen-Schüler Lachenmann beschäftigt sich intensiv mit Fragen
des Geräusches, der Klangverfremdung und des Klangereignisses an
sich. Einen stärker subjektiv, vom Ausdruckswillen geprägten Stil pflegt
Rihm, in dessen riesigem Œuvre Opern und große
Orchesterkompositionen („Chiffren“, „Verwandlungen“) neben
Solokonzerten und Kammermusik stehen.
In der jüngeren Generation haben sich vor allem Isabel Mundry (geb.
1962), Enno Poppe (geb. 1969) und in jüngster Zeit der Klarinettist und
Komponist Jörg Widmann (geb. 1973) verdient gemacht.
Schlager- und Popmusik
Mit dem Siegeszug der elektronischen Medien ging im 20. Jh. der Aufstieg
der Schlager- und Popmusik einher. Um die Wende zum 20. Jh. waren es
oft Stücke aus Opern und Operetten, die über das Radio schnell in der
breiten Öffentlichkeit beliebt wurden. Bald komponierte man solche
„Gassenhauer – meist Trink- („In München steht ein Hofbräuhaus“) oder
Volkslieder („Muss I denn“) – aber als eigenständige Werke. Große Hits in
der ersten Hälfte des 20. Jh. waren z. B. „Ein Freund, ein guter Freund“
(Comedian Harmonists, 1929) und „Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe
eingestellt“ (Marlene Dietrich, 1930) sowie „Lili Marleen“ von Lale
Anderson (1939).
Probenszene zur einzigen vollendeten Oper von
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